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Lengua Castellana
Trabajos realizados durante el curso de 3ª D.B.H.
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Jordi Sierra i Fabra |
Jordi Sierra i Fabra nació en Barcelona el 26 de julio de 1947. Tiene una clara y firme vocación de escritor desde muy joven, pues confiesa que dio sus primeros pasos con tan sólo ocho años de edad. Con doce escribió su primera novela larga, de quinientas páginas. Sus padres se mostraron poco entusiasmados con esta actividad, puesto que no confiaban en la profesión de escritor como un trabajo con futuro. Cuando terminó el bachillerato empezó a trabajar en una empresa de construcción. Tuvo sus primeras incursiones profesionales en la música, otra de sus grandes pasiones. Fue uno de los fundadores del programa de la Cadena Ser "El Gran Musical", y en 1970 abandonó los estudios para convertirse en comentarista musical, lo que le permitió viajar por todo el mundo con grupos y artistas del momento para cubrir sus actuaciones y escribir reportajes.
Igualmente fue uno de los miembros fundadores de la revista Super Pop en 1977, dedicada a la música joven. En 1978, y tras nueve años, dimitió del puesto de director de Disco Expres, y fue finalista del Premio Planeta de Novela. Su dedicación a la literatura se incrementó entonces.
En 1981 logró el Premio Gran Angular de literatura juvenil por El cazador, y repitió dos años más tarde con ...En un lugar llamado tierra. Volvió a hacerse con él en 1990 por El último set. A lo largo de su carrera ha obtenido cuantiosos galardones, como el Premio El Barco de Vapor de literatura infantil (2010), el Ateneo de Sevilla en 1979, Premio Edebé de Literatura Infantil en 1993 y el de Literatura Juvenil en 2006, el Premio A la Orilla del Viento de México en 1999 y el Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil en 2007 y el Premio Cervantes Chico en 2011, entre otros muchos.
Ha impartido numerosas charlas sobre literatura infantil y juvenil, ocupación que sigue desarrollando aún hoy en centros de enseñanzas, bibliotecas y otras instituciones de España e Hispanoamérica. Cuenta con la Fundación Jordi Sierra i Fabra, creada en pos del fomento de la lectura y de la escritura entre los más jóvenes, la cual, desde 2006, entrega el premio literario que lleva su nombre para jóvenes escritores.
Igualmente fue uno de los miembros fundadores de la revista Super Pop en 1977, dedicada a la música joven. En 1978, y tras nueve años, dimitió del puesto de director de Disco Expres, y fue finalista del Premio Planeta de Novela. Su dedicación a la literatura se incrementó entonces.
En 1981 logró el Premio Gran Angular de literatura juvenil por El cazador, y repitió dos años más tarde con ...En un lugar llamado tierra. Volvió a hacerse con él en 1990 por El último set. A lo largo de su carrera ha obtenido cuantiosos galardones, como el Premio El Barco de Vapor de literatura infantil (2010), el Ateneo de Sevilla en 1979, Premio Edebé de Literatura Infantil en 1993 y el de Literatura Juvenil en 2006, el Premio A la Orilla del Viento de México en 1999 y el Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil en 2007 y el Premio Cervantes Chico en 2011, entre otros muchos.
Ha impartido numerosas charlas sobre literatura infantil y juvenil, ocupación que sigue desarrollando aún hoy en centros de enseñanzas, bibliotecas y otras instituciones de España e Hispanoamérica. Cuenta con la Fundación Jordi Sierra i Fabra, creada en pos del fomento de la lectura y de la escritura entre los más jóvenes, la cual, desde 2006, entrega el premio literario que lleva su nombre para jóvenes escritores.
Pedro Calderón de la Barca
Pedro Calderón de la Barca nació en Madrid el 17 de enero de 1600 de familia hidalga. Se educó en el Colegio Imperial de los Jesuitas en Madrid, en el que se familiarizó con los poetas clásicos latinos. En 1614 se matricula en la Universidad de Alcalá y, el año siguiente, en Salamanca, donde estudió Cánones y Derecho hasta 1620. Fue soldado en la juventud y sacerdote en la vejez, lo que era bastante habitual en la España de su tiempo. En sus años jóvenes su nombre aparece envuelto en varios incidentes violentos, como una acusación de homicidio y la violación de la clausura de un convento de monjas. De su vida militar existen pocas noticias, aunque consta que tomó parte en la campaña para sofocar la rebelión de Cataluña contra la Corona en el(1640. Contrasta lo impulsivo y mundano de su juventud con lo reflexivo de su madurez. En 1642 pide su retiro como militar y entra al servicio del duque de Alba. Goza, desde entonces de un período de tranquilidad para la creación literaria. En 1651 recibe las órdenes sacerdotales y se traslada a Toledo como capellán de los Reyes Nuevos. Vuelve en 1663 a Madrid por orden de Felipe IV que le nombra capellán de honor. Murió en Madrid el 25 de mayo de 1681.
Comentario Literario Poema "Mío Cid"
La épica medieval. Uno de los momentos más conocidos del "Cantar de Mío Cid" (o "Poema de Mío Cid) es el inicio del Cantar de la Afrenta de Corpes, donde los yernos del caballero castellano sufren un humillante episodio.
En Valencia con los suyos vivía el Campeador;
con él estaban sus yernos, Infantes de Carrión.
Un día que el Cid dormía en su escaño, sin temor,
un mal sobresalto entonces, sabed, les aconteció:
Escapóse de una jaula, saliendo fuera, un león.
Los que estaban en la Corte sintieron un gran temor;
recogiéronse sus mantos los del buen Campeador,
y rodean el escaño en guarda de su señor.
Allí Fernando González, Infante de Carrión,
ni en las salas ni en la torre donde esconderse encontró;
metióse bajo el escaño, tan grande fije su pavor.
Diego González, el otro, por la puerta se salió
diciendo con grandes gritos: -¡Ay, que no veré Carrión!
Tras la viga de un lagar metióse con gran temor;
todo el manto y el brial sucios de allí los sacó.
En esto que se despierta el que en buen hora nació;
de sus mejores guerreros cercado el escaño vio:
-¿Qué pasa aquí, mis mesnadas? ¿Qué queréis? ¿Qué aconteció?
-Es que, mi señor honrado, un susto nos dio el león.
Apoyándose en el codo, en pie el Cid se levantó:
El manto se pone al cuello y encaminóse al león.
La fiera, cuando vio al Cid al punto se avergonzó;
allí bajó la cabeza, y ante él su faz humilló.
Nuestro Cid Rodrigo Díaz por el cuello lo tomó,
y lo lleva de su diestra y en la jaula lo metió.
A maravilla lo tiene todo el que lo contempló.
Volviéronse hacia la sala donde tienen la reunión.
Por sus dos yernos Rodrigo preguntó, y no los halló;
aunque a gritos los llamaban, ni uno ni otro respondió,
y cuando los encontraron, los hallaron sin color.
No vieseis allí qué burlas hubo en aquella ocasión;
mandó que tal no se hiciese nuestro Cid Campeador.
Sintiéronse avergonzados Infantes de Carrión;
fiera deshonra les pesa de lo que les ocurrió.
Anonimo
Este fragmento perteneciente al “Poema de Mio Cid”, cuya fecha de creación aproximada es de 1207 (s. XIII) es un cantar de gesta. Pertenece a la tradición literaria del mester de juglaría que se enmarca dentro de la épica medieval en verso. Por lo tanto, es un poema narrativo como los que pululaban en diferentes siglos (s.XII-XIII) por las plazas de los pueblos y su conservación ,se debe a la memoria y a la creación artística de los juglares. Este documento se conserva en la Biblioteca Nacional de Madrid (la copia manuscrita es del s. XIV) y, debido a que le faltan 3 hojas hoy por hoy se sigue especulando sobre su autoría .
Desde el punto de vista métrico hay que decir que es una tirada compuesta por 34 versos con rima asonante y versos irregulares aunque la mayoría son de 16 sílabas . Estos versos al ser excesivamente largos y, a causa de su recitación oral, se dividen en 2 hemistiquios separados por una cesura o pausa.
El tema de este fragmento es, por un lado, ridiculizar a los yernos del Cid, los Infantes de Carrión, mostrando su cobardía y, por otro, ensalzar y fortalecer la figura del héroe épico .
Un día el Cid estaba durmiendo en su escaño con sus mesnadas. Entonces, un león se escapó de su jaula y la corte estaba aterrorizada. Allí los yernos del Cid, Fernando y Diego, los llamados infantes de Carrión mostraron su cobardía . El Cid se dirigió al león y agarrándolo del cuello lo llevó a su jaula. Buscó a sus yernos y los halló sin color. Y por eso les pesa la deshonra.
El poema externamente se divide en 3 cantares:
-El cantar del destierro
-El cantar de las bodas
-El cantar de la afrenta de Corpes
Desde el punto de vista de la estructura interna puede dividirse en tres partes. En la primera en los vv.1-4 se presentan los hechos, señalando dónde ocurren y que el Cid estaba durmiendo.En la segunda, vv. 5-27 se relatan los hechos: un león se escapa, los infantes se atemorizan y el Cid domina a la fiera. En la tercera, vv.. 28-34 los hombres del Cid de se ríen de los infantes y el Campeador ordena que se detengan las burlas.
Este fragmento pertenece al principio del tercer cantar. Todos los versos cumplen una unidad de comprensión o sentido.
El narrador del texto es la voz que narra los acontecimientos. En algunos momentos, se dirige directamente al receptor, v. 4 “sabed”, v. 31 “no viéseis allí” para mantener su atención. Esto también lo consigue con el uso de exclamaciones e interrogaciones, y con el empleo del estilo directo para expresar los diálogos directamente en boca de los personajes. Esta necesidad de mantener la atención está relacionada con el hecho de que originalmente estas composiciones narrativas se transmitían de forma oral, de ahí también que los formulismos, es decir, las continuas repeticiones estén al servicio del auditorio para que el público no pierda el hilo narrativo.
El narrador también pretende ensalzar la figura del héroe, que es el objetivo principal del poema.
Los personajes son el protagonista (Cid Campeador) que es presentado por el narrador como un valeroso y virtuoso guerrero que apacigua a las fieras con solo mirarlas; por contraste, los antagonistas (Fernando y Diego González, los Infantes de Carrión) presentados como miedosos y cobardes y, el personaje colectivo (las mesnadas) siempre fieles a su señor.
Hay varios recursos retóricos: El epíteto épico con el que consigue la exaltación del caballero v.16 “el que en buen hora nació”, antítesis o contraste “la cobardía frente a la valentía”, hipérbaton vv. 1-2 “ En Valencia con los suyos vivía el Campeador; con él estaban sus yernos, Infantes de Carrión” , hipérbole a lo largo del fragmento por el hecho de amansar al “rey de la selva” con una sola mirada y polisíndeton en los v.25 “y lo lleva de su diestra y en la jaula lo metió” consiguiendo con su utilización que el ritmo narrativo sea más lento.
Coplas a la muerte de su padre, Jorge Manrique. Comentario Literario.
- Introducción
- Género literario y subgénero
- Métrica
- Temas y tópicos literarios
- Estructura externa/interna
- Técnicas literarias y estilos
- Introducción:
Jorge Manrique debe su fama a sus “coplas a la muerte de su padre”, maestre don Rodrigo. Es una dolorosa elegía en la que lamenta de forma melancólica la inestabilidad de los bienes de la fortuna, la fugacidad de las vidas humanas y el poder igualatorio de la muerte.La virtud personal es lo único que desafía al tiempo y destino tras una reflexión filosófica con la esperanza de una vida. Hace el elogio fúnebre de su padre. La innovación del poema está en el contenido ya que por primera vez un individuo se convierte en tema de un poema. En lo que respecta a la forma es totalmente medieval y tradicional, este individualismo es típico de un periodo de tránsito entre el final de la Edad Media siglo XV y el comienzo del renacimiento
2. Género literario y subgénero:
Pertenece al género de la lírica culta exactamente al subgénero de la elegía (composición poética que consiste en expresar sentimientos de dolor ante la muerte de un ser querido).
3. Métrica:
El poema está formado por 40 coplas de pie quebrado, cada copla se compone por 2 sextillas en las que se combinan los versos octosílabos con los tetrasílabos y cuya rima es consonante. La rima por lo tanto es así [8a,8b,4c|8d,8e,4f]
4. Temas y tópicos literarios:
Uno de los tópicos literarios más utilizados por el poeta es el de tempus fugit para expresar la fugacidad de la vida humana.El presente no existe ya que es imposible calcularlo y el futuro se ve transformando en sucesivos presentes sin poder calcularlo.
-La fortuna es una azar ciego que desencadenan las tragedias humanas, se le representa como una rueda inestable que reparte de forma caprichosa la felicidad y la desgracia.Esta idea de la fortuna del paganismo politeísta.
-”Vanitas vanitatis” el mundo es un lugar de paso donde el ser¡humano tiene la posibilidad de salvar su alma por medio de la muerte.
-La fama en el siglo XV la época de la transición se aprecia una visión antropocéntrica.
-La muerte, la peste negra a finales de siglo XIV dejó 25 millones de seres humanos muertos esto trajo unas creaciones ‘danzas de la muerte’ en las que la muerte representada por un esqueleto y una guadaña y diferentes personajes de diferentes clases sociales.
Jorge Manrique se basa en este poema para hacer sus coplas.
5. Estructura interna / externa:
En cuanto a la estructura externa, la más aceptada y repetida es la división tripartita que propuso Pedro Salinas, de lo más general a lo más particular.
En la primera parte es más filosófica, reflexiona acerca de la vida terrenal y la inestabilidad de las cosas mundanas.
En la segunda parte trata las mismas partes que en la primera, pero alude a otra vida menos efímera, la de la fama.
En la tercera parte introduce el tercer tipo de vida, la que triunfa sobre las otras dos, la vida eterna.
En cuanto a la estructura interna se divide en dos sextillas, la primera expone el tema de una forma más genérica y en la segunda la desarrolla.
Mester de Juglaría vs. Mester de Clerecía
Tomando en cuenta el acto de comunicación hay que ver las siguientes diferencias:
En el Mester de Juglaría, lo oral era lo predominante, como antiguamente se hacía, por ejemplo en la antigua Grecia donde se menospreciaba la literatura escrita, así lo reflejaban los sabios de la época como por ejemplo Aristóteles o Platón. Por lo tanto, el emisor transmite el mensaje por vía oral.
En la Edad Media el 85% de la población pertenecía a una cultura iletrada, el rol asignado en la sociedad estamental feudal era de los no privilegiados,
estaban todo el díia trabajando. Un día a la semana el domingo, día festivo, se celebraban grandes banquetes y fiestas, todo el pueblo se reunía y entonces el juglar, recitaba sus poemas a los ciudadanos. Los temas que más les gustaban eran las hazañas medievales. Resumiendo, el mester de juglaría era más popular, mientras que el de clerecía era muchísimo más culto.
Muchos de los clérigos eran alfabetos, se dedicaban a escribir poesía, entre otras labores. Constituían el 15% de la sociedad de la época, junto a lo nobles. Su labor era doble: entretener a la corte y adoctrinar al pueblo extendiendo la fe cristiana, por eso hablamos de lírica narrativa didáctica .El emisor transmitía por vía oral y escrita.
Como conclusión diremos que , el mester de juglaría es el mester de los pobres, analfabetos y campesinos trabajadores, sus composiciones nacen de la literatura oral y, el Mester de Clerecía es, de la gente letrada y de la gente culta y alfabeta (al contrario que los juglares), y todas sus composiciones nacen de la literatura escrita.
En el Mester de Juglaría, lo oral era lo predominante, como antiguamente se hacía, por ejemplo en la antigua Grecia donde se menospreciaba la literatura escrita, así lo reflejaban los sabios de la época como por ejemplo Aristóteles o Platón. Por lo tanto, el emisor transmite el mensaje por vía oral.
En la Edad Media el 85% de la población pertenecía a una cultura iletrada, el rol asignado en la sociedad estamental feudal era de los no privilegiados,
estaban todo el díia trabajando. Un día a la semana el domingo, día festivo, se celebraban grandes banquetes y fiestas, todo el pueblo se reunía y entonces el juglar, recitaba sus poemas a los ciudadanos. Los temas que más les gustaban eran las hazañas medievales. Resumiendo, el mester de juglaría era más popular, mientras que el de clerecía era muchísimo más culto.
Muchos de los clérigos eran alfabetos, se dedicaban a escribir poesía, entre otras labores. Constituían el 15% de la sociedad de la época, junto a lo nobles. Su labor era doble: entretener a la corte y adoctrinar al pueblo extendiendo la fe cristiana, por eso hablamos de lírica narrativa didáctica .El emisor transmitía por vía oral y escrita.
Como conclusión diremos que , el mester de juglaría es el mester de los pobres, analfabetos y campesinos trabajadores, sus composiciones nacen de la literatura oral y, el Mester de Clerecía es, de la gente letrada y de la gente culta y alfabeta (al contrario que los juglares), y todas sus composiciones nacen de la literatura escrita.
Soneto XIII, Garcilaso de la Vega, Comentario Literario
Este soneto fue escrito por Garcilaso de la Vega (1501-1536), autor castellano, introductor del petrarquismo en la literatura castellana. Encarna plenamente al prototipo de hombre del Renacimiento: es un hombre de armas y de letras, aunque tiene conocimiento de un amplio conjunto de temas.
Este soneto hace referencia a unos tópicos del petrarquismo, que son el amor no correspondido y el ideal no alcanzado, usando la mitología, en este caso la historia de Dafne y Apolo: justo antes de que Apolo pueda alcanzar a su amada Dafne, ésta (que no estaba enamorada de Apolo) pide ayuda a los dioses y la transforman en laurel. Con las lágrimas de Apolo, Dafne crece. En el soneto, Garcilaso explica la transformación de Dafne en el laurel, las consecuencias de este cambio y cómo Apolo llora por esta causa, por lo tanto, el tema del soneto es el amor como causante de un mal, en este caso, la transformación de Dafne en el árbol y la frustración por no conseguir lo que se quiere (dolor por un amor NO correspondido y la utilización de la mitología). Por lo tanto el tema es amoroso y se apoya en el tema mitológico. Hay un YO poético que expresa los sentimientos del texto.
Al ser un soneto, la estructura externa consta de dos cuartetos y dos tercetos. Los versos son endecasílabos con rima consonante ABBA ABBA CDE CDE. Internamente se divide en tres partes: la primera abarca los dos cuartetos, en los cuales se nos describe la transformación de Dafne en el árbol. Para ello, se usan muchos epítetos (verdes hojas, áspera corteza, torcidas raíces) para remarcar aún más esta transformación. También se puede entrever una evocación del tópico de la “description pullae” ya que nos dice que el cabello de la muchacha es rubio muy claro, usando metáforas y a la vez hipérboles “los cabellos que al oro oscurecían”y diciéndonos que la piel de Dafne es blanca “los pies blancos” , que a la vez es un tópico del Renacimiento (mujer de piel blanca, ojos claros, cabello rubio...). En cada verso hay un hipérbaton y se usan palabras de un mismo campo semántico (hojas, ramas, raíces/ llorar, llorarla, lloraba). La segunda parte incluye el primer terceto, en el cuál nos hablan del amor, el causante estado de
Dafne, y se concentra el tema principal; la tristeza por el NO de la amada. Y finalmente, el último terceto, el cual es como una pequeña conclusión, en la cual predomina la función emotiva, la repetición del OH y la utilización de bimembres; ya que la causa y la razón están juntas.
Soneto XXIII, Garcilaso de la Vega. Comentario Literario.
El soneto XXIII, pertenece a la breve obra de Garcilaso de la Vega (1501-1536). Es uno de los 38 sonetos que escribió. Representa al renacentista de la época, como “hombre de armas y letras”. Sirvió al Emperador Carlos I, y murió en una de sus batallas. Su trayectoria poética tiene dos momentos centrales: el estilo renacentista de influencia italiana, gracias a Juan Boscán, y el enamoramiento de Isabel Freyre una dama portuguesa que fue su inspiración para muchos poemas.
El tema principal es el consejo que el autor le da a su amada, con el tópico literario del “carpe diem”, de que se abra al amor durante su juventud antes de que se haga mayor. Por eso, la idea principal es el amor y lo bonito de la juventud y que hay que aprovechar antes de que envejezcas.
Describe algunos aspectos de su físico,diciéndole que viva intensamente antes de llegar a la vejez. Por esto utiliza las metáforas de alegre primavera en el v.9 (se refiere a la edad que tiene o la etapa de la vida en la que está) y dulce fruto en el v.10 (se refiere a ella). Este tema recoge los tópicos de “Carpe diem” y “Colligo, virgo rosas” (aprovecha y disfruta el momento) y el tempus fugit (el tiempo pasa).Por medio de estas metáforas puras describe la hermosura de la amada con rasgos típicos del Renacimiento siguiendo el modelo ideal de belleza iniciado en Italia por Francesco Petrarca.
El poema desde el punto de vista estrófico es un soneto compuesto por versos endecasílabos de arte mayor, porque está formado por dos cuartetos y dos tercetos, de cuya rima consonante está estructurada de la siguiente manera: en ABBA, ABBA, CDE, DCE. Atendiendo a la estructura interna, es decir, a la progresión temática del poema decir que se puede dividir en tres partes:
La expresión del poema XXIII contiene varias metáforas: en el v. 1-2 “rosa y azucena” simbolizan los colores faciales de la amada; en el v. 4 “la tempestad serena” representa la intensidad de su mirada; en el v. 5, “que en la vena del oro se escogió” ensalza lo dorado del cabello; asimismo, en el v. 11, “cubra de nieve la hermosa cumbre” se refiere al invierno de la vida que algún día llegará; también, “el viento helado” en el v. 12 simboliza el tiempo implacable. Garcilaso utiliza también varios hipérbatos: en el v. 4, “con clara luz la tempestad serena” y en los vv. 12-13, donde el sujeto y el verbo se muestran invertidos. Además, hay varios epítetos en los v. 4 (“Clara”) y 9 (“Alegre”). Asimismo, existen un paralelismo y anáfora en los v. 1 y 4, que se inician de la misma manera.
El poema contiene la mentalidad y la expresión artística de la época renacentista porque ofrece una visión optimista del amor, en contraposición a la mentalidad medieval que buscaba sobre todo el adoctrinamiento contra el pecado. Los tópicos renacentistas citados en el segundo párrafo de este comentario complementan la afirmación anterior sobre el deleite amoroso que busca el poeta. La descripción de la dama, que posee una belleza ideal, es también otro de los rasgos del arte renacentista.
El tema principal es el consejo que el autor le da a su amada, con el tópico literario del “carpe diem”, de que se abra al amor durante su juventud antes de que se haga mayor. Por eso, la idea principal es el amor y lo bonito de la juventud y que hay que aprovechar antes de que envejezcas.
Describe algunos aspectos de su físico,diciéndole que viva intensamente antes de llegar a la vejez. Por esto utiliza las metáforas de alegre primavera en el v.9 (se refiere a la edad que tiene o la etapa de la vida en la que está) y dulce fruto en el v.10 (se refiere a ella). Este tema recoge los tópicos de “Carpe diem” y “Colligo, virgo rosas” (aprovecha y disfruta el momento) y el tempus fugit (el tiempo pasa).Por medio de estas metáforas puras describe la hermosura de la amada con rasgos típicos del Renacimiento siguiendo el modelo ideal de belleza iniciado en Italia por Francesco Petrarca.
El poema desde el punto de vista estrófico es un soneto compuesto por versos endecasílabos de arte mayor, porque está formado por dos cuartetos y dos tercetos, de cuya rima consonante está estructurada de la siguiente manera: en ABBA, ABBA, CDE, DCE. Atendiendo a la estructura interna, es decir, a la progresión temática del poema decir que se puede dividir en tres partes:
- La primera se desarrolla en los en los primeros dos cuartetos, el autor describe algunos rasgos físicos de su amada: los colores pálido y sonrojado –por sus sentimientos- de su rostro; su ardiente y clara mirada, su cabello dorado que vuela al viento y su cuello también blanco y recto.
- En la segunda, formada por el primer terceto y, por medio de la forma verbal imperativa de 2ª plur. en el v.9 “coged” los dos tercetos, le aconseja gozar de esa belleza antes de que el paso del tiempo la marchite.
- Para terminar con el último terceto que, en forma de síntesis y utilizando el futuro imperfecto “marchitará” asevera que el tiempo lo puede todo.
La expresión del poema XXIII contiene varias metáforas: en el v. 1-2 “rosa y azucena” simbolizan los colores faciales de la amada; en el v. 4 “la tempestad serena” representa la intensidad de su mirada; en el v. 5, “que en la vena del oro se escogió” ensalza lo dorado del cabello; asimismo, en el v. 11, “cubra de nieve la hermosa cumbre” se refiere al invierno de la vida que algún día llegará; también, “el viento helado” en el v. 12 simboliza el tiempo implacable. Garcilaso utiliza también varios hipérbatos: en el v. 4, “con clara luz la tempestad serena” y en los vv. 12-13, donde el sujeto y el verbo se muestran invertidos. Además, hay varios epítetos en los v. 4 (“Clara”) y 9 (“Alegre”). Asimismo, existen un paralelismo y anáfora en los v. 1 y 4, que se inician de la misma manera.
El poema contiene la mentalidad y la expresión artística de la época renacentista porque ofrece una visión optimista del amor, en contraposición a la mentalidad medieval que buscaba sobre todo el adoctrinamiento contra el pecado. Los tópicos renacentistas citados en el segundo párrafo de este comentario complementan la afirmación anterior sobre el deleite amoroso que busca el poeta. La descripción de la dama, que posee una belleza ideal, es también otro de los rasgos del arte renacentista.